Choro pradžiamokslis – daugelio vienybė

Žmogaus kūnas yra seniausias muzikos instrumentas. Plakimas rankomis, trypimas kojomis – visa tai sukuria garsą ir, suderinus su intencionalumu, proto galią būti apie daiktus, savybes ir būsenas, atstovauti ar stovėti už juos, gali atvaizduoti per mimiką. , ritmas ir pasikartojimas. Tačiau dar didesnis už galūnes yra žmogaus balsas, galintis skleisti tokius kasdieniškus garsus kaip kosulys, žiovulys ir spragtelėjimas, iki nuostabesnių, pavyzdžiui, švilpimas, kalba ir, šio straipsnio tikslais, dainavimas.

1. Senovės ištakos
2. Giedoti muziką
3. Suvienijimas
4. Ankstyvoji polifonija
5. Polifonijos aukso amžius
6. Įprastos praktikos era
7. Šiuolaikiniai pavyzdžiai
8. Daugiau nei vienas balsas
9. Nuorodos:

Neįmanoma tiksliai nustatyti, kada muzika prasidėjo ir tikrai ne kaip ta muzika skambėjo. Geriausia teorija yra ta, kad tai buvo vokalinė ir perkusinė muzika, o tai rodo faktas, kad šie du elementai egzistuoja viso pasaulio liaudies tradicijose.
Vokalinės muzikos varianto Vakarų muzikos pasaulyje būtų neįmanoma iki galo aptarti disertacijoje, jau nekalbant apie 3000 žodžių straipsnį, todėl trumpumo dėlei sutelksime dėmesį į vieną vokalinės muzikos rūšį, kuri sulaukė didelio dėmesio Vakarų pasaulis: choras. Pirmą kartą užfiksuotas Senovės Graikijoje, jis iki šių dienų išliko pagrindinis Vakarų kanono elementas. Tai tradicija, kurios metu daug skirtingų balsų susiburia dainuoti kaip vienas, karts nuo karto sujungiant skirtingas balso spalvas, norinčius išsilaisvinti ir įgarsinti savo unikalius tonus.
Choras ir choras yra maždaug sinonimai. Abu reiškia dainininkų, kurie koncertuoja kartu kaip grupė, kūną. Skirtumas atsiranda vietoje. Choras gieda bažnyčioje arba, kaip rodo pavadinimas, iš choro (arba quire), bažnyčios dalies, kurioje sėdi dvasininkai ar choras. Choras koncertuotų teatre ar koncertų salėje.
Nors iš pradžių beveik vien tik vokalistai susidėjo ir kiti instrumentai, ypač nuo baroko laikotarpio.

Senovės ištakos

Graikai neturėjo muzikos monopolio ir neįrašė pirmosios muzikos šiandienine notacija. Senovės Indija, Egiptas, Kinija ir Mesopotamija turėjo muzikines sistemas. Tiesą sakant, seniausia įrašyta muzika yra Mesopotamijos (West, 1994). Tačiau graikai, kiek galime atpažinti iš archeologijos, buvo pirmieji, kurie akcentavo ir sukūrė dainavimo kaip grupės, kaip choro sąvoką. Choras, ekstrapoliuojantis pagrindinių žaidėjų temas ir emocijas, labiausiai siejamas su graikų teatru. Net Homero Iliada būtų buvęs atliktas tokiu būdu, nors apie tai nėra įrašo.
Tačiau yra keletas pavyzdžių. Manoma, kad tai yra seniausia kompozicija, kurioje žinome kompozitoriaus vardą, Delphic Hymms.

Pastebėsite, kad kūriniai yra monofoniniai; tai yra viena muzikinė eilutė, kurią dainuoja visi asmenys. Nors Opera buvo sąmoningos pastangos iš naujo išrasti graikų dramą, choras buvo artefaktas, perduodamas iš kartos į kartą. Posūkio tašką nuo senovės Graikijos ir Romos muzikos galima rasti Oxyrhynchus himne, datuojamame III mūsų eros amžiuje. Čia yra šiuolaikiškas išdėstymas, nors jis labai nesiskiria nuo originalaus partitūros.

Tekstas graikų kalba yra poetinis Šventosios Trejybės tylos perteikimas, taigi vienas iš naujausių senovės chorinės muzikos pavyzdžių, tačiau vienas iš anksčiausiai rastų krikščioniškos liturginės muzikos kūrinių, išugdančių chorą į naujus lygius.

Giedoti muziką

Giedojimo muzika (kartais vadinama monofoniniu ar paprastu choralu, o kartais klaidingai kaip grigališkuoju choralu), kokia ji būtų pripažįstama šiandien, prasidėjo Šv. Ambraziejaus laikais IV amžiuje. Toks giedojimo stilius – tinkamai – vadinamas ambrozišku giesmeliu, nors kartais jis vadinamas antifoniniu giesmeliu. Taip yra dėl skambinimo ir atsakymo atlikimo metodo (prieš ir melagingas garsas; iš esmės, garsas prieš garsą). Choras dažnai būdavo skirstomas į dvi dalis, kiekviena pusė dainuodavo vienai sekcijai, o kita dainuodavo pagal ją. Grigališkasis choralas, kuris yra atskiras choralo stilius, sukurtas maždaug 900 m. mūsų eros metais, neturi šio išskirtinio skambėjimo ir atsako stiliaus. Čia pateikiami abiejų stilių pavyzdžiai.

Nors grigališkasis ir ambroziškasis choralas yra žinomiausios šio stiliaus permutacijos, visa monofoninio choralo istorija yra daug turtingesnė, o raidos vyksta visoje Europoje. Šie pokyčiai buvo vietiniai, pagrįsti vietinėmis liturgijomis, todėl skirtingi regionai sukūrė skirtingus giedojimo stilius.
Vienas iš vis dar labai skirtingų stilių yra Portugalijos ir Ispanijos mocarabiškas choralas. Šiam stiliui būdingi mikrotoniniai linksniai, suteikiantys kūriniui rytietišką pojūtį. Klausykitės tos pačios mišios dalies, kurią girdėjome grigališkuoju ir ambroziškuoju choralu, perteikimą anksčiau:

Tie, kurie išmano Iberijos pusiasalio istoriją, greičiausiai supranta šio konkretaus pokyčio priežastį: Al-Andalus, taip pat žinomas kaip Islamo Iberija, gyvavęs nuo 711 iki 1492 m., kuris savo piko metu valdė daugumą to, kas yra šiandien Ispanija ir Portugalija. Lygiai taip pat bažnyčios buvo perėmusios islamo architektūros elementus, taip pat ir muzika, su mikrotoniniais linksniais, labiau būdingais Vidurio Rytų ar Indijos klasikinei muzikai nei Vakarų modalinei tradicijai.

Suvienijimas

Nors visoje Europoje vystėsi daug turtingų tradicijų, tos, kurios įgijo svarbą Bažnyčioje, turėjo kitą tikslą – standartizaciją. Bandymus atliko Pepinas III Trumpasis ir jie tęsėsi iki išsipildymo Karolio Didžiojo laikais. Tai buvo ne tik giedojimas, bet ir mišios bei liturgija. Rezultatas buvo grigališkasis choralas, gautas sumaišius dviejų pagrindinių Europos centrų – Romos, bažnyčios centro, ir Paryžiaus, politinio centro – choralo stilius. Tai pakeitė beveik visas vietines giedojimo formas. Čia vėl klausykite Šlovė , bet padaryta kaip grigališkasis choralas.

Iki 900 m. mūsų eros buvo pakankamai užrašų, kad muzika būtų visiškai standartizuota. Kai kurie regioniniai stiliai išliko, pavyzdžiui, mozarbų stilius, nepaisant to, kad bažnyčia gana griežtai reikalavo priimti standartizuotą formą. Karolis Didysis buvo paskirtas oficialiu stiliaus sklaidos prižiūrėtoju ir neleido vystytis regioniniams stiliams. Štai kodėl, nepaisant turtingos regioninio monofoninio choralo istorijos, išliko tik keletas stilių, ir manoma, kad grigališkasis choralas yra monofoninio choralo sinonimas.

Ankstyvoji polifonija

Po kelių šimtmečių monofonijos buvo pridėta daugiau balsų. Bažnyčia nesitikėjo, kad šioje naujoje standartizuotoje formoje pradėjo vystytis individualūs balsai.
Pamažu į muziką buvo įtraukta daugiau eilučių. Organum yra paprastas, kai pridedama bent viena kita vokalinė linija, siekiant padidinti muzikos harmoniją. Tačiau tai nebuvo „harmonija“, kaip šiandien suprantama. Ankstyviausias Organum pavyzdys buvo grigališkasis paprastasis, antruoju balsu dainuojant tą pačią melodiją, perkeltą ketvirtu arba penktu. Trečiasis, kuris yra pagrindinis toninės harmonijos elementas, buvo laikomas disonansu, tai yra nestabiliu intervalu, reikalaujančiu ketvirtos, kvintos ar unisono tvirtumo.
Dar kartą skirtingi regionai eksperimentavo skirtingais požiūriais į organą. Kiekvienas kažkuo prisidėjo. Nors žymiausias ir stilistiškai reikšmingiausias vėlesnio organo organas buvo Florid Organum of St Martial ir garsioji Dievo Motinos mokykla, angliškas organum, kuris pirmenybę teikia trečiojo intervalui, būtų kelias, kuriuo modalinė muzika atvestų į pagrindines /maža tonacija ir harmonija.
Motetas, nors ir sukūrė daugybę muzikinių formų, puikiai demonstruoja perėjimą tarp viduramžių ir renesanso muzikos. Viduramžiais motetas išaugo iš organų, ypač iš organų Leoninas ir Perotinas . Pagrindinė idėja yra ta, kad yra a tvirta daina , paprastos melodijos fragmentas, virš kurio a tegul mokosi , arba kontra melodija, judėtų priešingu judesiu. Čia yra kontrapunktas (išvystytas iš lotynų k taškas prieš tašką , arba taškas prieš tašką) prasidėjo. Léoninui būdinga tai, kad dvi melodijos judėjo skirtingais ritminiais režimais. Pavyzdžiui, jo distantas juda 2 režimu (du ilgi dūžiai) ir tvirta daina pirmuoju režimu (vienas ilgas, kitas trumpas). Tai sukūrė nepriklausomų balsų, kurie judėjo priešingai, garsą. Tai dabar žinoma kaip modalinis ritmas, o šie netaisyklingi modeliai reguliariai taikomi kaip organizacinė priemonė. Ši vienijanti technika leido kompozitoriams būti laisvesniems ir drąsesniems kitose kategorijose, kaip įrodė Pérotinas, Leonino įpėdinis. Klausykite šio dviejų dalių pavyzdžio Visi matė Léonin, o vėliau keturios pirmosios dalies – Pérotin.

Perotino darbas buvo labai pagrįstas Léoninu. Tai nereiškia, kad Pérotinas yra paprasčiausias kopijavimo aparatas ar kūrėjas. Jo tobulėjimas turėjo esminės įtakos chorinės muzikos raidai, ypač jo pridėjimas dar daugiau balsų. Kai Léoninas kūrė dviem balsams, Pérotinas panaudojo keturis – tai pagrindinė savybė, kuri bus gyvybiškai svarbi kitų kartų muzikoje. Studijuodamas ir perimdamas Léonino modalinius ritmus, Pérotinas rado būdų, kaip įvesti daugiau balsų, sukurti sodresnį garsą ir pilnesnę tekstūrą, kuri būtų naujos kartos muzikos ir kompozitorių bruožas.

Polifonijos aukso amžius

Léonino ir Pérotino paskelbtos turtingesnės technikos apibūdintų polifonijos aukso amžių. Kaip ir anksčiau, pagrindinė muzikos organizavimas buvo katalikiškų Mišių dalių struktūra. Tai tinka, nes bažnyčių dalyvavimas matė, kaip vystysis muzika. Ypač svarbūs buvo kontrreformacija ir Tridento susirinkimas. Dvi Tarybos sesijos buvo susijusios su polifonine muzika Katalikų bažnyčioje. Pirmasis buvo susijęs su contrafactum, tekstų pakeitimu mažai keičiant muziką, kai populiarios dainos buvo imamos ir naudojamos mišiose, pridėjus religinį tekstą. Tai nebūtų tiesioginės muzikos kopijos, bet veiktų kaip cantos firmus, aplink kurią būtų organizuojama mišių muzika.
Antrasis klausimas buvo susijęs su polifonija, kaip savaime suprantama forma, ir susirūpinimu, kad dėl pamėgdžiojimo žmonės negalėtų įžvelgti visų svarbių žodžių, šventų tekstų, taip svarbių masėms. Kai kurie manė, kad tai turėtų būti visiškai uždrausta, todėl paskelbė tekstus. Kiti buvo ne tokie ekstremalūs, nors manė, kad būtų svarbu, kad muzikoje būtų stiprus aiškumo elementas. Štai Kyrie iš garsiųjų mišių, kad galėtumėte patys nuspręsti, ar muzika gali tai padaryti.

Legenda byloja, kad Giovanni Pierluigi iš Palestrinos išgirdo apie šias diskusijas ir gandus apie polifonijos uždraudimą bažnyčioje ir kad jis siekė pertvarkyti muziką, kad ji būtų aiški, išlaikant sodrias formos tekstūras. Jis sudarė Popiežiaus Marcelio mišios , arba popiežiaus Marcelio mišios. Pasakojama, kad tai išgirdęs kardinolas Carlo Borromeo įsitikino ne tik tuo, kad polifonija gali būti suprantama mišioms, bet ir uždrausti šią gražią muziką būtų nuodėmė. Nors kai kurie tekstai išlikę iš šios eros, teigiantys, kad būtent Palestrinos mišios privertė valdančius įžvelgti šio stiliaus potencialą, ginčytina, kiek istorijos realybės iš tikrųjų yra tarpusavyje susijusios.

Įprastos praktikos era

Populiarėjant instrumentinei muzikai ir pasaulietinei muzikai, vokalinės muzikos tradicija tęsėsi prislopinta forma. Kai jis buvo peržiūrėtas, jis buvo su reikšmingu instrumentiniu akompanimentu. Yra keletas baroko, klasicizmo ir romantizmo epochų pavyzdžių – W. A. ​​Mozarto ir Berliozas ’s garsieji rekviem, įBethovenas’s triumfuojantis choro panaudojimas savo Devintoji simfonija. Tačiau du pavyzdžiai, palyginti ankstyvoje toninės harmonijos įprastos praktikos eroje, yra bene labiausiai pastebimi.
Pirmasis jau buvo aptartas aankstesnis straipsnis. J.S. Bachas , dabar laikomas labiausiai pasiekusiu iš visų meno muzikos kūrėjų, savo gyvenime buvo geriau žinomas kaip vargonų žinovas, o ne kaip kompozitorius. Tai, ko gero, leido jam tyrinėti savo kūriniuose muzikines idėjas, kurios nebuvo reikalingos konkuruoti su naujai susiformavusia konkurencine muzikine rinka, kuri pasirodė esanti jo sūnaus realybė. C.P.E. Bachas , ir Mocartą, ir vėlesnės kartos. Pagrindinis skirtumas nuo baroko chorinės muzikos yra tas, kad joje kartu su choru pateikiamas instrumentinis akompanimentas. Priėmus tonalumą, tai tapo įmanoma, nes toninio klavišo, kaip organizavimo technikos, svarba leido chorui vis dar atlikti sodrią polifonijos imitaciją, turėdamas stiprų harmoninį įžeminimą. Ankstesniuose pavyzdžiuose mėgdžiojimas suteikė šią sanglaudą.
Bachas šioje srityje buvo išskirtinis ir tikrai tyrinėjo šių dviejų elementų maišymo galimybes. Puikus pavyzdys yra chorai iš Jono kančia.

Nors Bachas laikomas šios eros meistru, taip ir buvo George'as Friderikas Hendelis (gimė kaip Georgas Friederichas Händelis), sukūręs garsiausią choro kūrinį: Mesijas. Vienas pagrindinių Händelio kūrinio bruožų yra orkestrinis santūrumas. Tai padeda balsams, o ne bando su jais konkuruoti. Nors kūrinys turi visiškai instrumentinių dalių, pradedant lėtais, tyliais instrumentais, todėl švelniai įvedami balsai.

Kitas svarbus elementas yra tai, kad, nors ir tonalinės muzikos eroje, Mesijas neturi toninio klavišo. Nors Anthony Hicksas sako, kad jis siekia D-dur su keliomis pagrindinėmis dalimis, ypač triumfuojančiais „trimito“ judesiais ir pabaiga. Be to, Rudolphas Steglichas per visą darbą teikia didelę reikšmę kylančiam ketvirtajam – vienijančiam įrenginiui. Nors kyla ginčų dėl kurio nors iš jų, kiti vienybę priskiria Händelio stropumui su tekstu ir vaizduotės nuoseklumu, tačiau tai rodo, kad jame yra toks toninis dviprasmiškumas, kurį lėmė ankstyvieji choriniai kūriniai.

George'as Friederichas Handelis

Šiuolaikiniai pavyzdžiai

Atsiradus minimalizmui, keli kompozitoriai perėmė šias technikas į choro muziką. Arvo Pärtas kartu su Johnu Taveneriu ir Henryku Góreckiu buvo pavadinti šventaisiais minimalistais. Pärtas, kaip teigė minimalistas Steve'as Reichas, visiškai atsilieka nuo senatvės, tačiau jis yra nepaprastai populiarus, o tai taip įkvepia. Jo muzika patenkina gilų žmogaus poreikį, kuris neturi nieko bendra su mada. Didėjantį susidomėjimą jo kūryba liudija tai, kad už 2009 m. darbą buvo apdovanotas gramatika Adomo rauda , anksčiau šiais metais. Tačiau tai, kas išskiria Pärto kūrinius, yra jo tintinnabuli technika. Ši technika padalija chorą į du balsus: vienas arpeggiuoja triadą (skalės tonikas, trečias ir penktas), o kitas balsas laipsniškai juda išilgai nubrėžtos akordo diatoninės skalės. Ši technika nėra išskirtinė chorinei muzikai ir buvo plačiai naudojama jo instrumentinėje kūryboje, ypač veidrodis im Spiegel . Tačiau tai įgauna tam tikrą aktualumą, kai atlieka choras, nes šią techniką sukūrė Pärtas, atsiliepdamas į jo mistinius išgyvenimus su choro muzika.

http://www.youtube.com/watch?v=1A6BfyhFSVQ

Jo darbas, Magnificat, yra bene aktualiausias pavyzdys, kurį Pärto biografas Paulas Hilleris laiko kaip tintinnabuli techniką pademonstruoti pačia lanksčiausia ir tobuliausia. Be to, jame pristatomos ir kitos giedojimo muzikoje naudojamos technikos, pvz., dronai, kurie, Hillerio nuomone, sustiprina amžinumo jausmą arba nuolatinę dabartį, dažnai aptinkamą Pärto kūryboje.

Iš šiuolaikinės chorinės muzikos, György Ligeti' s Requiem yra bene garsiausias. Esu tikras, kad visi girdėjome tai:

Ligeti šlovę daug lemia tai, kad jo muzika plačiai naudojama tokiuose filmuose kaip 2001: Kosminė odisėja, ir visai neseniai desantininko scena Godzilla. Būtent jo Requiem sulaukė tokio didelio dėmesio, tačiau jis yra sukūręs daug vokalinių kūrinių. Tačiau teigti, kad tai vienintelė priežastis, būtų klaidinga.
Ligeti muzikos stiprybė yra faktūroje. Didžioji dalis muzikos, ypač chorinės muzikos, sutelkta į melodiją, aiškiai artikuliuotą seką, kurią seka ausis. Kaip minėta anksčiau, kadangi daugelis chorinės muzikos yra modalios, ji remiasi melodijomis, veikiančiomis kartu su kitomis melodijomis arba prieš jas, kartais susipynusios ir nepastebimos, sukurdamos turtingą tekstūrą. Ligeti tai daro ekstremaliu būdu. Jis visiškai atsisako išskirtinės melodijos idėjos, sutelkdamas dėmesį į daugelio balsų tekstūrą. Kompozicijos technika, kuria jis tai pasiekia, yra mikropolifonija. Kaip rodo pavadinimas, tai daugelio labai mažų, neįtikėtinai tankių kanonų, skambančių vienas prieš kitą ir vienas su kitu, pavyzdys. Efektas, kaip atskleidžia Cope, yra klasterių akordų garsas, tačiau skirtingų linijų judėjimas sukuria skirtingų linijų, ritmų ir tembrų vienalaikiškumą. Tai kraštutinis polifonijos pavyzdys, kai visi balsai tarsi dainuoja vienas prieš kitą, tačiau iš tikrųjų sukuria sodrų, gražų ir persekiojantį skambesį.
Dėl šios priežasties Ligeti ir Pärtas padarė tokias įdomias šio straipsnio išvadas. Abiem atvejais vyrauja tekstūra, tačiau jų požiūris labai skiriasi. Ligeti kuria sodrias, tankias eilutes, primenančias muzikiškai turtingiausią vėlyvųjų viduramžių ir ankstyvojo renesanso polifoniją, o Pärtui sutelkus dėmesį į pasakojimą, sukuriant tokį pat turtingą ir sodrų kūrinį. Pärtas ir Ligeti savo kūriniuose atkartoja chorinės muzikos istoriją, kurdami unikalius papildymus.

Daugiau nei vienas balsas

Choro muzikos istorija ir įvairovė yra plati ir įvairi, todėl šiame straipsnyje pristatoma nedaug kūrinių ir kompozitorių, sukūrusių muziką pagal šią tradiciją. Mėgaukitės šiais pavyzdžiais, bet ieškokite kitos muzikos, pvz., kitų ankstyvųjų pionierių Guillaume'as Dufay'us , Josquin des Prez , Williamas Byrdas , ir Tomas Tallis , baroko kompozitoriams patinka Claudio Monteverdi ir Henris Purselis , tokiems šiuolaikiniams kompozitoriams kaip Ralphas Vaughanas Williamsas ir Benjaminas Brittenas . Tradicija yra daug turtingesnė nei vienas balsas.

Nuorodos:

Cope, David (1997). Šiuolaikinio kompozitoriaus technikos . Niujorkas, Niujorkas: Schirmer knygos.

Hillier, Paul, Arvo Pärtas, Oksfordo kompozitorių studijos (Oxford and New York: Oxford University Press, 1997).

West, M. L., „Babilono muzikinė notacija ir uraganiški melodiniai tekstai“, Muzika ir laiškai , 75, Nr. 2 (1994 m. gegužės mėn.), 161–79.