Klasikinės muzikos istorija

Dabar, kai buvote tinkamai supažindintas su kai kuriais daugiau garsūs klasikinės muzikos repertuaro kūriniai , maniau, kad kitas logiškas žingsnis būtų įvairių epochų apžvalga, apimanti klasikinės muzikos istoriją. Sąvoka labai plati, apimanti muziką nuo viduramžių iki šių dienų. Straipsnyje bus bandoma supažindinti jus su keliais skirtingais stiliais ir idėjomis apie kiekvieną vakarų pasaulio muzikos laikotarpį, taip pat juos kontekstualizuoti, siekiant paaiškinti įvairius pokyčius ir pabrėžti svarbius kompozitorius. Tai jokiu būdu nėra išsamus vadovas, o apžvalga, skirta padėti naujokui geriau suprasti klasikinę muziką. Dėl didelio masto (juk kalbame apie tūkstančio metų muziką) ne viskas buvo aprėpta. Pavyzdžiui, bet kokia muzika po 1945 m. buvo neįtraukta, nes yra tiek daug mokyklų ir požiūrių, kad straipsnis nebūtų naudingas iš kelių šimtų žodžių.

1. Ankstyvasis laikotarpis:
2. Viduramžiai (1100–1400 m.)
3. Renesansas (1400–1600 m.)
4. Barokas (1600–1750 m.)
5. Klasicizmas (1750–1820 m.)
6. Romantizmas (1820-1900)
7. Modernizmas, serializmas ir ne tik (1900)
8. Baigiamieji žodžiai

Ankstyvasis laikotarpis:

Nors senoji muzika egzistavo kaip bažnytinė ir rūmų muzika, būtent ankstyvoji bažnytinė muzika, ypač vokalinė bažnytinė muzika, ilgainiui tapo labai sudėtinga Bacho, Bethoveno ir Brahmso muzika. Nors trubadūrų, madrigalų ir kanklininkų muzikoje yra labai daug dorybių, straipsnyje daugiau dėmesio skiriama bažnytinei muzikai.

Viduramžių muzikos rankraštis

Viduramžiai (1100–1400 m.)

Viskas prasideda čia, nuo vienos natų eilutės. Monofoninis giedojimas, dar vadinamas Paprastuoju giedojimu, vystėsi įvairiuose Europos centruose. Kaip ir rūmų muzika, ji buvo vietinė, paremta vietinėmis liturgijomis ir skirtinguose regionuose buvo kuriami skirtingi giedojimo stiliai. Paklausykite, kaip skiriasi Portugalijos ir Ispanijos mozarbų choralas ir amborisų choralas. Abu kuria mišios dalies „Gloria in Excelisus Deo“ versijas.

Tai pradėjo keistis 1011 m. Katalikų bažnyčiai standartizavus mišias ir giedojimą. Rezultatas buvo grigališkasis choralas, gautas sumaišius dviejų pagrindinių Europos centrų Romos, bažnyčios centro, ir Paryžiaus, politinio giedojimo stilius. centras. Tai pakeitė beveik visas vietines giedojimo formas. Čia vėl klausykite Gloria, bet atliekamos kaip grigališkasis choralas.

Su šia standartizacija prasidėjo pokyčiai. Palaipsniui į muziką buvo įtraukta daugiau eilučių, judančių per Organum. Didžioji šios muzikos dalis vis dar yra anoniminė. Dar kartą skirtingi centrai eksperimentavo skirtingais požiūriais į organumą, bene reikšmingiausias buvo anglai. Nors Florid organum of St Martial buvo reikšmingiausias vėlesniuose organuose, užleisdamas vietą garsiajai Dievo Motinos mokyklai, angliškas organum pirmenybę teikė trečdalio intervalui, kuris taptų keliu, per kurį modalinė muzika atvestų į mažorinę/minorinę tonaciją. , bet apie tai vėliau. Vėliau juos sukūrė du pirmieji žinomi kompozitoriai, pirmiausia Léoninas, o vėliau Pérotinas. Abi jos pateikė daug naujų kompozicijos technikų, iš kurių svarbiausia – modalinis ritmas, iš esmės netaisyklingos natos, išdėstytos taisyklingai.

Pagrindinis skirtumas yra tas, kad ten, kur Léonino stilius labiau krypo į ilgas, spalvingas linijas, Pérotinas daugiau dėmesio skyrė sudėtingesniems balsams, suteikdamas tvirtą polifonijos pradžią.

Renesansas (1400–1600 m.)

Pradinis žingsnis buvo išlyginti elementus, kurie tapo ryškesni vėlyvųjų viduramžių stiliumi. Visų pirma tai reiškė kai kurių ritmų supaprastinimą. Tačiau tai suteikė sklandesnį stilių ir daugeliu atžvilgių papildė labiau sutelktą ritmą, kuris labiau judėjo kūrinio pabaigoje. Trečios intervalas su didesne spalva (moll ir mažoras) tapo labiau vertinamas. Viduramžiais jis buvo laikomas disonansu, todėl buvo pavaldus penktajam ir ketvirtajam.

Muzika pamažu vėl tapo sudėtingesnė Johanneso Ockehemo muzikoje. Jo meilę kanonams galima išgirsti jo Missa Prolationum. Tai buvo siejama su padidėjusiu detalumu, kuris tuo metu buvo matomas vaizduojamajame mene.

1470-aisiais pirmasis spaustuvės poveikis buvo juntamas muzikoje. Pradėjo formuotis muzikinis užrašas, leidžiantis mintims perduoti muziką ir ją atgaminti ištikimiau. Tai taip pat reiškė, kad vietinį elementą, kaip ir 1011 m. bažnyčios atliktą mišių standartizavimą, pranoko augantis internacionalizmas, ypač prancūzų-flamandų polifonijos stilius. Dėl to padidėjo supaprastinimas, ypač su G.P. Palestrina. Perėjimas prie aiškesnio stiliaus iš dalies įvyko dėl kontrreformacijos ir Tridento susirinkimo. Iš esmės buvo priimtas sprendimas, kad dėl to meto daugiabalsės muzikos dainų tekstai, dieviškieji sakraliniai tekstai tapo nesuprantami. Jie atsisakė kelių balsų maišymo kanoniniu Ockehem stiliumi ir mėgo duetus ir trio, kurie sudarytų penkių ar šešių dalių tekstūrą. Taip pat daugėjo homofonijos (keli balsai, judantys panašiu ritmu) ištraukų, skirtų ypač svarbioms ištraukoms. Galų gale Palestrina iš jų sukūrė laisvai tekantį kontrapunkto stilių, suteikiantį tiek aiškumo, tiek muzikinio susidomėjimo.

Šio laikotarpio apsėstas antika, ypač graikai, paskatino kai kuriuos eksperimentuoti su tam tikra muzikinio teatro forma, kurioje jis balsu pasakojo istoriją, lydimą instrumentų, iš esmės bandydamas atkartoti graikų dramą. Jiems kažkiek pavyksta. Jie sukūrė muzikinio teatro formą, kuri tebeegzistuoja ir šiandien, nors abejotina, kiek jis panašus į tradicinę graikų dramą.

Barokas (1600–1750 m.)

Vėlgi, muzikoje įsigali lokalizacija, nes baroko laikotarpis siūlo daugybę kompozitorių iš įvairių vietų. Pats terminas iš pradžių buvo vartojamas kaip įžeidimas itin puošniam, atrodytų, nenuosekliam muzikos stiliui. Nuo to laiko tai tapo terminu, apibūdinančiu daugybę kompozitorių per 150 metų laikotarpį. Vienas iš pereinamųjų kompozitorių buvo Jacopo Peri. Jis dirbo įvairiose bažnyčiose ir teismuose, ypač Medici. Jo stilius yra daug mažiau sudėtingas nei didžioji dalis Renesanso muzikos prieš jį arba labiau ornamentinis stilius, kuris būtų būdingas barokui. Mažai jo kūrinių atliekama šiandien, o dažnai tik kaip kuriozas. Nepaisant to, kai kurių nuomone, jis yra tikrasis naujos formos, vadinamos Opera, išradėjas, kurią vėliau savo knygoje „L'Orfeo“ peržiūrės Claudio Monteverdi.

Neprilygstamas J.S. Bachas

Pagrindinės sudedamosios dalys, kurios apibūdintų vėlesnę baroko muziką, yra toninė harmonija basso continuo (ištisinė boso linija), kuria skambėtų toninė polifonija, įkvėpta Renesanso laikais sukurto kontrapunkto. Trečios intervalas, kuris pamažu tapo svarbus kompozitoriams, leido atsirasti mažorams ir minoriniams klavišams, kaip disonanso ir chromatizmo valdymo būdams, kurie buvo pagrindiniai bruožai iki XIX amžiaus pabaigos.^thamžiaus. Be to, yra vienodo temperamento konceptualizavimas, dalijantis oktava dvylikoje dalių. Keista, bet tai nėra dvylika tobulai suderintų pustonių. Iš tikrųjų yra dvylika nesuderintų intervalų, tačiau jų nesuderinimo laipsnis yra tikslus, o tai reiškia, kad jie subalansuoja vienas kitą. Tai leido moduliuoti tarp klavišų. Johanno Sebastiano Bacho „Gerai tempered Clavier“ tam tikra prasme yra šios standartizacijos įgyvendinimas ir šventimas. Instrumentinė muzika atsirado savaime. Visų pirma klaviatūros instrumentai, būtent klavesinas ir vargonai, tapo pagrindiniais muzikos ramsčiais.

J. S. Bachas yra šios epochos milžinas, nors jis toli gražu nebuvo garsiausias to meto muzikantas, jo šlovė išaugo nuo XIX a. Jo pagrindinis postas buvo kaip dirigentas Leipcige, iš esmės žmogus, atsakingas už to miesto muziką. Sukūrė daug įvairių kūrinių – nuo ​​choralinių kantatų, mišių, preliudų, partitų. Išskyrus teatro kūrinius (pvz., operas), Bacho katalogas apima visas to laikotarpio formas, instrumentus ir orkestrus.

Spaustuvė taip pat atvėrė kelią standartizacijai. Buvo sukurti pedagoginiai tekstai, įskaitant Johanno Fuxo Gradus ad Paranassum (1725), sisteminantį ankstesnių laikotarpių kontrapunktą ir Archangelo Corelli, kuris organizavo smuiko techniką ir pedagogiką. Šis laikotarpis taip pat leido labiau atskirti asmenybę. Kompozitoriai ir atlikėjai pradėjo garsėti savaime, jų žinios ir kompetencija buvo perduodama pedagogikoje arba spaudoje, šlovinant jų talentus.

Nors liturgija vis tiek teikė pagrindą kai kuriems kūriniams, kompozitoriai pasirinko medžiagą organizuoti kitaip. Forma tapo svarbesnė, nes norint išlikti viename klaviše, reikėjo metodų, kaip organizuoti muzikinę medžiagą, kad būtų galima grįžti prie „toniko“ arba namų klavišo. Tai suteikė pagrindą sonata forma, taip pat temos ir variacijų idėja. Formos pagrindus apėmė dvejetainis (AABA) arba trio (ABC).

Klasicizmas (1750–1820 m.)

Renesanso metu dėmesys buvo nukreiptas į klasikinę antiką (iš čia ir kilo pavadinimas), o žmonės bandė tai pamėgdžioti naujajame mene ir architektūroje. Nors vis dar buvo akcentuojamas formalumas ir hierarchija, kaip ir baroko laikais, daugiau dėmesio buvo skiriama aiškiam padalijimui, stipriam kontrastui ir paprastesniam stiliui, skirtingai nei sudėtingas, ornamentinis baroko stilius. Paprastais žodžiais tariant, polifonija užleido vietą vienai melodijai, kurią lydėjo antraeilė harmonija. Moduliacijos poslinkio, pavyzdžiui, tarp pirmosios ir antrosios sonatos temos, atskleidimas tapo vis svarbesnis. Reikėjo vyresnio amžiaus muzikantų žinių ir jų techninių žinių, tačiau naujesnis stilius atsirado iš jaunesnių muzikantų. C.P.E. Bachas įrodė puikų šių dviejų derinį. Iš savo tėvo jis įgijo žinių apie senąsias technikas, tačiau sugebėjo jas panaudoti naujesniuose visuomenės pamėgtuose stiliuose. Šis pereinamasis laikotarpis, kuris lemtų, kaip Džozefas Haydenas ir Volfgangas Amadėjus Mocartas datuojamas maždaug 1730–1760 m. Faktas buvo tas, kad Bachas, nors ir vis dar buvo gerbiamas, tapo kažkokia relikvija.

Paprastumas turėjo ir ekonominių priežasčių bei naudos. Naujos muzikos skonis tapo viešu fiksavimu, tačiau kompozitoriaus turimi ištekliai buvo gana riboti. Bachas turėjo visus Leipcige muzikantus, o Mocartas, pavyzdžiui, turėtų samdyti muzikantus, o tai reikštų repeticijas, o repeticijos kainuoja. Siekiant apriboti biudžetą, kūriniai, kuriems reikia tik vienos repeticijos, tapo madingi.

Teismo susirinkimas klausytis muzikos

Šiuo laikotarpiu klestėjo rūmų muzika (kompozitoriai tarnavo didikams). C mūsų Manheimo orkestras buvo garsiausias tuo metu, todėl turėjo įtakos daugelio kompozitorių, įskaitant Haydeną ir Mocartą, muzikos stiliams. Haydenas dažnai vadinamas abiejų tėvu Simfonija ir Styginių kvartetas . Dar būdamas jaunas berniukas gavo muzikinį išsilavinimą ir galiausiai buvo pasamdytas choristu Vienos Šv. Stepono katedroje. Jam senstant, jo balsas nepalankiai subrendo ir po prastai sulauktos išdaigos kolegai choristui buvo atleistas. Vėliau jis ėmėsi įvairių darbų ir, suprasdamas, kad neturi muzikos teorijos ir kompozicijos žinių, studijavo daugelį baroko laikotarpiu spausdintų tekstų (ypač Fuxo traktatą) ir studijavo C.P.E. Bachas. Tai galiausiai paskatino jį įsidarbinti Esterházy dvare, o tai padėjo jam išsiugdyti išskirtinį stilių ir sėkmę.

Kitas didelis ekonominis poslinkis buvo tas, kad muzikantai vis dažniau tapo laisvaisiais agentais. Anksčiau muzika buvo kuriama tik teisme ir tik teismui. Pavyzdžiui, Mocartas pardavinėjo savo koncertų abonementus, kad galėtų finansuoti save, o ne pasikliauti karališka globa. Kita vertus, Haydenas pasinaudojo savo paskyrimo teisme stabilumu, kad sutelktų dėmesį į naujų kūrinių komponavimo ir struktūrizavimo būdų kūrimą naujoje to laikotarpio estetikoje, Mocartas siekė sėkmės viešoje erdvėje. Tai reiškė būti virtuozu atlikėju ir kurti operas. Abu jie leido groti keletą naktų ir gastrolių tvarkaraščius, o tai leido Mocartui uždirbti perspektyvių pajamų. Jam taip pat labiau patiko didesnis chromatinių akordų naudojimas ir melodijų derinimas viename kūrinyje. Mokymai su Haydenu suteikė jam struktūriškesnį, disciplinuotą požiūrį, dėl kurio jis tapo spalvingesnis ir virtuoziškesnis. Jo kompozicinis stilius reikalavo didesnio dėmesio ir bendravimo orkestre ir kėlė didesnį iššūkį atskiriems muzikantams. Šis labiau techninis požiūris reikalavo daugiau iš kompozitoriaus ir atlikėjo, o visuomenė troško daugiau. Kartu šie išaugę įgūdžių reikalavimai išskyrė vėlesnį klasicizmą apie 1780 m. nuo ankstesnio pereinamojo laikotarpio (1740–1760 m.). Ir Haydenas, ir Mocartas tuo metu buvo laikomi genijais ir sulaukė didžiulės sėkmės.

Toliau pasirodė nauja muzikantų karta, o geriausiai žinoma ir pripažinta tikrai buvo Liudvikas van Bethovenas . Kaip ir Mocartas, jis įgijo virtuoziško atlikėjo reputaciją, ypač pasižymėjęs improvizavimu. Tačiau jo kompozicijos turėjo dar didesnį poveikį: jos buvo ilgesnės, sudėtingesnės. „pianistiškesnis“, o ne „vokalinis“, užtikrino didesnę instrumentų sąveiką, o tai lėmė naują stilių. Ankstyvoji klasicistinė paprastumo prieš sudėtingumą samprata buvo uzurpuota. Forma leido plačiau tyrinėti muzikinę medžiagą. Aiškiausia vieta tai pamatyti yra Bethoveno kūrinių raidos skyriuose. Vietoj Mocarto žaismingumo, Bethovenas savo temas perdarė dideliais, drąsiais ir sudėtingais būdais. Jo pagrindinis tikslas buvo sukurti monumentalų, originalų meno kūrinį. Dėl to dėl jo kokybiško požiūrio jis sukūrė mažiau tomų: tuo tarpu Haydenas sukūrė daugiau nei 100 simfonijų, Mocartas parašė 41, o Bethovenas tik 9 simfonijos . Tačiau Bethoveno simfonijose esantis emocinis intensyvumas ir muzikinis įmantrumas rodo galutinį poslinkį. Nors Bethovenas savo karjerą pradėjo kaip klasikas, baigė kaip proromantikas.

Romantizmas (1820-1900)

Didėjantis domėjimasis gamta, subjektyvaus mąstymo šlovinimas ir domėjimasis antgamtiškumu charakterizavo romantizmą. Klasikiniu laikotarpiu įvykusi standartizacija buvo išbandyta ir nustumta į savo ribas, nes kiekvienas kompozitorius turėjo savo, subjektyvų požiūrį. todėl išpopuliarėjo laisvos formos stiliai, tokie kaip noktiurnai, rapsodijos ir preliudai. Puikus to pavyzdys yra Frederikas Šopenas . Savo Mazurkose jis įtraukė liaudies muzikos elementų, nors jos skirtos koncertų salei.

Muzikantai tapo laisvi nuo bajorų, nes dabar muzikantai galėjo veikti savarankiškai arba per įvairias muzikinio švietimo organizacijas. Vienas iš tokių būdų buvo padidėjęs viduriniosios klasės susidomėjimas muzika, ir tai suteikė galimybę kompozitoriams reguliariai užsidirbti. Pavyzdžiui, Šopenas surengė tik keletą koncertinių pasirodymų. Įprastos pajamos gaudavo iš pamokų vedimo ir rankraščių pardavimo.

Dėl šios nepriklausomybės kiti turi puikių gastrolių tvarkaraščių ir koncertų. Kompozitoriai ir atlikėjai iš esmės tapo roko žvaigždėmis, kurias dievino publika. Du pagrindiniai pavyzdžiai yra smuikininkas Nicollo Pananini ir Franzas Lisztas. Paganini iš tikrųjų įkvėpė sąrašą, savo techniniais pasiekimais su smuiku, suderinti jį su fortepijonu. Dvikovos tapo įprastu pianistų bruožu. Lisztas ypač varžėsi su kompozitoriumi ir virtuozu Sigismondu Thalbergu, kur jie iš esmės bandė sumažinti kito populiarumą žiniasklaidoje. Tai tikrai nepasiteisino, todėl 1837 m. kovo 31 d. Lisztas ir Thalbergas surengė dvikovą princesės Cristinos Belgiojoso salone. Kiekvienas pirmą kartą grojo kūrinį, jau esantį savo repertuare. Tada kiekvienas žaidė ypatingo techninio sunkumo gabalą, kurį paruošė specialiai susitikimui. Lisztas buvo Roberto le Diable prisiminimai. Nors susirinkusieji tai pavadino lygiosiomis, Thalbergas, daug metų rungtyniavęs su Lisztu, daugiau jam nebekėlė iššūkio.

Viena priešinga šio spektro pusė buvo Wagneris. Wagneris norėjo sukurti Gesamtkunstwerk (visą meno kūrinį), kuriame susijungtų poetiniai, vizualiniai, muzikiniai ir dramatiški meno elementai. Per šį laikotarpį orkestrai augo, kai atsirado daugiau instrumentų ir daugiau vaidmenų esamiems. Tačiau Wagneriui pažanga buvo per lėta. Jis norėjo dar didesnio. Kai kuriuos instrumentus jis paskyrė savo orkestrams, pavyzdžiui, oktobosą, tokį didelį bosą, kad jį reikėjo groti žmonėms. Jis taip pat buvo vienas iš nedaugelio šio laikotarpio kompozitorių, gavęs globėją Liudviko II iš Bavarijos pavidalu. Tai leido jam pastatyti Bayreuth Festspielhaus (Festivalinis teatras). Čia orkestras yra paslėptas po gaubtu, kad, pirma, būtų pašalintas iš orkestro akiračio, Wagneriui svarbiausia buvo drama, o antra – ištaisyti dainininkų ir orkestro pusiausvyrą. Muzika naudojo daugiau chromatizmo ir disonanso, kurie padidino dramatišką muzikos poveikį. Nors žiedo ciklas yra didžiausias šios eros kūrinys, būtent Preliudas iš Tristano ir Izoldos su garsiuoju Tristano akordu (00:12) išryškina Wagnerio kūrybai būdingą emocinį ilgesį ir spalvinį pasipriešinimą.

Modernizmas, serializmas ir ne tik (1900)

Iki 2-ojo amžiaus pradžios kompozitoriai pavargo nuo įprastos praktikos eroje atsiradusių konvencijų ir standartizacijos ir pradėjo ieškoti daugiau muzikos organizavimo būdų. Kai kuriems tai tiesiog reiškė išplėsti šias konvencijas, pavyzdžiui, Sergejus Rachmaninovas, kuris XX amžiaus ketvirtajame dešimtmetyje kūrė muziką romantizmo stiliumi.

Igoris Stravinskis

Kiti pasirinko iš naujo apibrėžti, pakeisti arba atmesti ankstesnes konvencijas. Claude'as Debussy buvo vienas iš šių kompozitorių. Iš pradžių sužavėjo Vagneris Labai spalvinga toninė muzika galiausiai priėjo prie išvados, kad tai buvo gražus saulėlydis, supainiotas su aušra. Jis, kaip ir kiti, suprato, kad Wagnerio požiūris į tonalumą yra tonacijos apribojimas. Taigi jis ieškojo kitų būdų, kaip organizuoti savo medžiagą. Tam tikra prasme jis žvelgė atgal ir savo kompozicijoms naudojo režimus kaip viduramžių ir renesanso laikais. Tai suteikė jam toninį dviprasmiškumą ir laisvę perkelti savo muziką, kaip tai rodo Fauno popietės įžanga . Tai taip pat atskleidžia Debussy nefunkcinių harmonijų naudojimą, kai, užuot varęs kūrinį į priekį, harmonija tiesiog nuspalvina melodiją. Šiuo laikotarpiu pučiamieji ir variniai pradėjo konkuruoti su tradiciniais styginiais.

Kitas didžiulis 2-ojo amžiaus pradžios darbas buvo Igoris Stravinskis Pavasario apeigos. 1913 m. premjeros metu garsiai sukėlusi didžiulį visuomenės pasipiktinimą ir beveik riaušes, iš pažiūros kakofoniškos melodijos maišosi, o stiprūs ritmai atskleidė naujas modernizmo epochos žavesio sritis. Vietoj to, kad aukštis būtų pagrindinis muzikos elementas, ji tapo pavaldi atmosferai, kurią sukuria tekstūra, ritmas ir tonas.

Ir, galiausiai Arnoldas Schoenbergas ir dvylikos tonų muzika. Tuo tarpu, kai Debussy ir Stravinskis ieškojo naujų ir egzotiškų technikų bei garsų kurdami savo muziką, Schoenbergas įsitvirtino prie pačių įprastos praktikos eros pagrindų – dvylikos vienodo temperamento tonų. Kartais vadinama atonaliąja muzika, kad ji nepatektų į visišką chaosą, Schoenbergas sukūrė sistemą, pagal kurią visi dvylika tonų buvo naudojami iš eilės, o paskui tą eilę kartoti likusioje kūrinio dalyje. Sistema, nors ir buvo vertinama iš kitos pusės nei jo amžininkai, taip pat reikalavo daugiau dėmesio tekstūrai, instrumentams, dinamikai ir ritmui.

Nors ir sukuria įdomų, net persekiojantį efektą, jis tikrai nebuvo gerai įvertintas. Nepaisant to, Schoenbergo technika buvo labai svarbi Vakarų muzikoje ateinančius kelis dešimtmečius su tokiais kompozitoriais kaip Pierre'as Boulezas ir Štokhauzenas išplėtodamas savo dvylikos tonų techniką į visišką serializmą, kur kiekvienas elementas nuo aukšto iki dinamikos iki ritmo buvo veikiamas griežtos sistemos. Vėlgi, rezultatai nebuvo populiarūs ir daugelis, pavyzdžiui, minimalistai, jį visiškai atmetė.

Baigiamieji žodžiai

Tikiuosi, kad ši įžanga į Vakarų klasikinės muzikos istoriją suteikė jums įspūdį apie skirtingus stilius skirtingais laikotarpiais. Labiau už viską tikiuosi, kad tai leis jums labiau įvertinti įvairius muzikos tipus. Kokia yra jūsų mėgstamiausia klasikinės muzikos era arba kokie yra jūsų mėgstamiausi kompozitoriai? Praneškite mums komentaruose.